大卫·霍克尼，曾在剧院里“印窗帘”？
有一个关于大卫·霍克尼的小故事。
某次他去探视入狱的朋友，宽慰人心的礼物没准备，却挑了一本砖头一样的《弗莱彻建筑史》。他真挚地向这位即将拥有大把时间的朋友推荐：“建筑史就是人类史，并且我很喜欢这本书的用光。”
最后这位朋友居然真的读完了这本书，虽然不知道他是被内容打动了还是心境正好；但已知的是，大卫·霍克尼的确喜欢观察空间，同时也对光的形态感兴趣，难怪他会同意把自己的作品从美术馆移到大剧院里。
是的，你没有听错，的确是大剧院。维也纳国家大剧院有一个从1998年开始至今的艺术项目“安全幕布（Safety Curtain）”，将幕布作为一个独立的展览单位，犒劳观众的眼睛。这些为艺术爱好者们喜爱的作品被打印在塑料网上，再借由磁铁覆盖上原始的幕布。巨幕拉下，人心震动。
*注：因这些作品均是艺术家为维也纳国家大剧院定制之作，除文中特别标注名称的作品外，均命名为“安全幕布”。
1998-1999
Kara Walker
美国黑人艺术家Kara Walker是第一位将作品陈列在维也纳国家大剧院的艺术家。她的剪影艺术以一种批判的、几乎愤世嫉俗的方式审视了奥地利的历史。
1999-2000
Christine and Irene Hohenbüchler
这是一位奥地利艺术家的作品，她按时间顺序列出了维也纳国家歌剧院直到1999年的所有演出，红色的十字则代表科索沃战争，共同讲述歌剧院的历史。
2000-2001
Matthew Barney
这幅作品由两个人物和一个巨大的放大镜构成。放大镜上的黄色代表金色的房子，浅蓝色代表背后的风景，绿色代表舞台上方镀金拱门反射的聚光灯。
2001-2002
Richard Hamilton《Retard en Fer – Delay in Iron》（enfer也有地域之意）
“波普艺术之父”Richard Hamilton擅长拼贴与结构，他在处理这张La Scala Milan乐队演出时的照片时，以二十世纪五六十年代明信片上流行的画面作为灵感，让乐手、指挥和观众每个人的脸都对着相机。
2002-2003
Giulio Paolini
艺术家做了一个实验，想突破“幕布”这一框架。四个方向的条纹从外缘一直延伸到中间，形成了一个近似正方形的、新的中央框架。而这里被想象成了一个夜空，舞台上的道具和其他物品漂浮在空中，等待它们的位置和角色。
同年，还收录了来自北欧斯堪地纳维亚半岛的艺术双人组 Michael Elmgreen 与 Ingar Dragset 的作品《回首》。
2003-2004
Thomas Bayrle
艺术家致力于讨论技术对人类及其周围环境的影响。
2004-2005
Tacita Dean《Play as Cast》（扮演全体演员）
Tacita Dean以其16毫米和35毫米胶片拍摄的非叙事性影像而闻名，戏剧是她作品的常见场景之一。这是一个被放大的单色镜头。
2005-2006
Maria Lassnig《耳朵早餐》（Breakfast with Ear）
又一位奥地利女艺术家。她用填满肠子的绞肉机代替莫奈笔下的两位裸体女性，她们在塞纳河附近与情人共度时光，眼前是一顿丰盛的晚餐。盘里的“耳朵”，代表了自己一直在忍受的噪音。她特别说明，作品需要在音乐停止、中场休息时向观众展示。
2006-2007
Rirkrit Tiravanija《Fear Eats the Soul》（恐惧吞噬灵魂）
电视故障画面，让人联想到历史、政治、经济中那些“不可说”的部分，意在提醒观众“艺术亦是现实的一部分”。文字意为“恐惧吞噬灵魂”，旨在致敬导演赖纳·维尔纳·法斯宾德（Rainer Werner Fassbinder）1974年的作品。
2007-2008
Jeff Koons《Geisha》（艺伎）
用木版画的形式重制了艺术家曾经的作品《艺伎》，用混合与抽象呈现出活力之感。
2008-2009
Rosemarie Trockel
艺术家以羊毛等制品的巧妙应用闻名，呈现了一片由蜘蛛网装饰的黑色虚空。
2009-2010
Franz West《Vom Vorgang ins Temperament》（从过程到气质）
三个裸体的人物，在金色的大地和蓝色的天空之下，他们彼此之间保持距离，又暗含一种亲密的感觉。
2010-2011
Cy Twombly《Bacchus》（巴克斯）
巴克斯，是罗马神话中的酒神和植物神。艺术家这一系列同名作品都以标志性的红色线条和大画布为特征。
2011-2012
Cerith Wyn Evans
一个挑战场景的作品。艺术家邀请观众从自己此刻正在阅读的内容（基于歌剧院的空间、当下时间的所思所想）滑向另一个情境，进入另一种历史和心理场所之中。
2012-2013
David Hockney
彼时75岁的大卫·霍克尼用ipad完成的作品。这原本是一个以维也纳国家大剧院为蓝本的素描作品，试图通过柔和的绿色、橙色和蓝色，扩大剧院的范围，据说因为霍克尼本人是一个幽闭恐惧症患者。
2013-2014
Oswald Oberhuber
这件艺术品以音乐为主题。中央有一个高音谱号，而周围则是曲线和箭头，巴赫、肖邦、莫扎特等传奇音乐家的名字也作为符号出现在画面之中。
2014-2015
Joan Jonas
Joan Jonas是第一位将影像与行为表演结合到一起的女艺术家。她采用明亮的色彩，强调了歌剧和戏剧中经典的前拱舞台结构。
2015-2016
Dominique Gonzalez-Foerster《Helen & Gordon》
这一作品旨在致敬著名抽象画家Helen Frankenthaler的一张肖像照。它在1957年、由Gordon Parks为《生活》杂志拍摄，其时她的眼神似乎凝视着遥远的未来，
2016-2017
Tauba Auerbach《A Flexible Fabric of Inflexible Parts III》（非弹性部分的弹性面料3）
这件艺术品想让观众感觉自己正坐在一个金属感的窗帘面前。此外，它还显示了一种舞蹈设计的理念，组件相互链接，以创建一个充满活力的宇宙。同时，柔软、弹性的设计元素也代表了歌剧、管弦乐等表演中的美丽和精确。
2017-2018
John Baldessari《Graduation》（毕业典礼）
灵感来源于艺术家的一个感受，“毕业典礼的照片往往和合唱团有相似之处”。他试图用一些飞溅的色彩来掩盖画面，激起观众的兴趣，比如去思考这些问题：谁被遮盖了，为什么？为什么有些人是黑白的，有些是彩色的？或者，当大家紧紧站在一起的时候，那些不想露脸的人是否就被暂时幸免了？
2018-2019
Pierre Alechinsky《Loin d'ici》（离此地很远）
艺术家的风格被称为“抒情抽象”，不用明确地知道画中每个部分代表什么含义，但标题里“离此地很远”的氛围似乎呼之欲出。
2019-2020
Martha Jungwirth《The Trojan Horse》（特洛伊木马）
这位奥地利艺术家坚持使用红色、黄色、紫色和洋红（magenta）这四种有限的颜色，关注古代历史的各个时期，试图用绘画将观众带回到我们意识之前的时代，她的作品中有猿猴、蟾蜍，包括下面这幅《特洛伊木马》。
2020-2021
Carrie Mae Weems 《Queen B (Mary J. Blige)》（女王B）
知名女性摄影师，她说道：“从厨房餐桌系列开始，多年来，我在摄影和视频中拍摄了许多女性审视自己的照片，关于她们是谁、她们代表什么以及她们面对的是谁。这张著名Mary J.Blige的肖像，拍摄于她的个人生活发生巨大动荡之时。”
2021-2022
Beatriz Milhazes 《 Pink Sunshine》（粉色阳光）
艺术家擅长使用明亮的色彩，风格大胆而欢乐，这一作品融合了民间艺术和西方古典现代主义，被誉为“充满了精神美的氛围”。
2022-2023
曹斐（Cao Fei）《The New Angel》（新天使）
第一个走进维也纳国家歌剧院的中国艺术家。去年她与宝马合作，设计出第一辆数字宝马艺术车，表现了自己极强的商业能力。而这一次，评审团充分肯定了其艺术属性，他们认为，曹斐的作品“通过一个自我的镜像投射，推翻了过往中国‘女勇士’的刻板印象。作为虚拟空间的居民，它本身也代表了传统空间维度之外的新体验。”
